A Família (The Family) - 2013

23/03/2014

Nota: 6.5 / 6.4 (IMDB)

Formato: HD

Direção: Luc Besson

Elenco: Robert De Niro (Fred Blake / Giovanni Manzoni), Michelle Pfeiffer (Maggie Blake), Dianna Agron (Belle Blake), John D'Leo (Warren Blake), Domenick Lombardozzi (Caputo), Stan Carp (Don Luchese), Vincent Pastore (Fat Willy), Jon Freda (Rocco), Michael J. Panichelli Jr. (Billy the Bug)

Crítica:

Filmes sobre gangsters sempre chamam minha atenção, ainda mais quando envolve Robert De Niro e um bom diretor como Luc Besson. O diretor de filmes como: O Profissional (Léon) 1996, O Quinto Elemento (The Fifth Element) - 1997 e Joana d'Arc (The Messenger: The Story of Joan of Arcen) - 1999 merece todo respeito, por isso resolvi conferir seu novo filme. Além dos dois, podemos ver Michelle Phipher, que apesar de velha e cheia de plásticas, ainda continua bonita.

[SPOILERS...] O filme conta a história de uma família mafiosa, pai, mãe e uma casal de filhos adolescentes, que fazem parte do programa de proteção às testemunhas. Depois de disfarçar a família em vários locais nos EUA, pelo comportamento desajustado, e por estarem sendo perseguidos pela máfia americana, o agente do FBI Stansfield, decide transferi-los para a França numa última tentativa de protegê-los.

Numa cidade do interior onde não haveria nenhum motivo para terem problemas, a família, agora como os Blake, não se controlam e todos começam a expor seus dons criminosos. Logo a máfia americana os descobre, e assim se desencadeia uma perseguição mortal, onde a família precisará mostrar toda sua habilidade para sobreviver. [FIM SPOILERS]

Esse é o contexto da história, muito promissor, mas Benson acaba por pecar em várias partes do roteiro, além de não desenvolver bem seus personagens. Em momento algum criamos empatia pelos protagonistas. O humor negro é inserido em momentos errados, fazendo as cenas, em vez de engraçadas, chatas e sem graça.

De qualquer maneira, ainda há bons momentos, pois o humor negro vem junto com cenas fortes de bastante violência, que trouxe um pouco de realidade para a história. De Niro mostra que ainda está em forma, e Pfeiffer completa bem o casal sem comprometer. Dianna Agron, a linda Quinn Fabray da série Glee, tem boa atuação, seu rostinho angelical é a única coisa que funciona com o humor do filme.

Dentro desse tema temos outros filmes melhores, para quem não tem tempo de ver filmes, esse não é o mais indicado.

Frozen - Uma Aventura Congelante (Frozen) - 2013

23/03/2014

Nota: 7.5 / 7.9 (IMDB)

Formato: HD

Direção: Chris Buck, Jennifer Lee

Roteiro: Jennifer Lee

Elenco: Kristen Bell (Anna), Idina Menzel (Elsa), Jonathan Groff (Kristoff), Josh Gad (Olaf), Santino Fontana (Hans), Alan Tudyk (Duque de Weselton), Chris Williams (Oaken), Maia Wilson (Bulda)

Crítica:

Demorou, mas a Disney conseguir voltar a fazer uma grande animação. Frozen - Uma Aventura Congelante resgatou as premissas dos grandes clássicos, sem parecer algo antigo. A história é bem atual, pois trata de temas importantes e que nos fazem gostar da história. Amizade, companheirismo, amor, tudo isso nessa fantasia espetacular.

[SPOILERS...] A história se passa em um reino fantasioso onde duas irmãs, princesas, onde a primogênita, Elsa, tem poderes incontroláveis em suas mãos. Tudo que ela toca vira gelo, além de conseguir criar formas de gelo e neve. Na infância Elsa brincava com sua irmã, Anna, e ao lançar um raio de gelo acaba a acertando. Por sorte Anna não morre, mas seus pais decidem por trancar Elsa em seu quarto para dominar seus poderes. Já adolescente, quando saí do quarto para uma celebração de sua coroação, Elsa, se descontrola ao saber que sua irmã quer se casar acaba congelando todo seu reino, e foge, deixando toda a região num inverno interminável.

Agora Anna deverá trazer Elsa de volta para reverter o inverno e trazer o verão de volta. Logo no início de sua jornada conhece Kristoff, um homem da montanha, que vive do gelo. Juntos saem em busca de Elsa. Ainda no caminho encontram Olaf, um boneco de neve criado por Elsa. Assim, os três vão em direção ao castelo de gelo, onde Elsa se encontra.

É nesse contexto que a aventura se desenrola, e por fim, Elsa volta às suas terras e faz o inverno acabar. [FIM SPOILERS]

Frozen se tornou a animação mais rentável da história, a Disney conseguiu bater seu próprio recorde, que pertencia ao O Rei Leão (The Lion King) - 1994. Ainda assim não credencio Frozen como o melhor filme da Disney, pois acho que existem alguns clássicos de melhor qualidade, mas Frozen teve um mérito muito grande, retomar a linha de animações bem trabalhadas, com história que envolve toda a família.

Apesar de ainda conter alguns dos clichês mais tradicionais das animações cinematográfica, como o bichinho que fala o tempo todo (Olaf), ou o animal companheiro, que é sempre engraçado, Frozen é uma excelente aventura, que vale a pena ver e rever. Um filme no nível dos filmes da Pixar.

Os Últimos Dias (Los Últimos Días) - 2013

12/03/2014

Nota: 5.0 / 6.0 (IMDB)

Formato: HD

Direção: Àlex y David Pastor

Elenco: Quim Gutiérrez (Marc), José Coronado (Enrique), Marta Etura (Julia), Leticia Dolera (Andrea), Iván Massagué (Lucas), Pere Ventura (Rovira), Lluis Soler (el vecino.

Crítica:

Histórias de apocalipse sempre me chamam atenção. É curioso imaginar o que faríamos na situação dos personagens, essa é a principal motivação ao assistir aos filmes do gênero. Quanto mais real as decisões dos personagens, e menos coincidências fictícias, melhor é o filme.

Os Últimos Dias acompanha a jornada Marc e Enrique através dos prédios e subterrâneo de Barcelona. Tudo começa com o dia a dia de Marc, em casa, no trabalha, mostrando como sua vida é comum. No trabalho vem enfrentando o novo gerente e a reformulação do seu setor. Em casa vem discutindo a possibilidade de ter filhos com sua namorada.

Tudo isso assistindo aos noticiários, até perceber que algo de errado está acontecendo no mundo. O problema fica mais claro quando seu chefe demite um dos seus colegas por ele estar a mais de um mês dormindo na empresa, sem sair do prédio em nenhum momento. Mas ao ser força a sair do prédio pelos seguranças da empresa, o funcionário começa a passar mal, Marc, percebendo o que poderia estar acontecendo, arrasta o colega para dentro do prédio, mas ele morre instantaneamente.

A história é contada com flashbacks, no presente, Marc se encontra no prédio da sua empresa, todo destruído, com as pessoas se organizando para distribuir água. Ninguém mais consegue sair dos prédios, ninguém vai para rua. Para sair do prédio, alguns voluntários perfuram a para encontrar a túnel subterrâneo do metrô.

O surto mundial seria algo semelhante à agorafobia, fobia de lugares abertos, ficcionalmente exagerada, que leva as pessoas à morte instantânea. O pânico espalhou-se pelo mundo inteiro, a maioria não sabe se está doente, mas não arriscam sair ao ar livre.

Marc precisa encontrar sua namorada, e percebe que seu novo chefe está se preparando para sair do prédio. É sua chance de juntar forças para encontrá-la. Os dois entram num acordo, e saem em busca da moça. Assim, a jornada se desenrola, com os dois sofrendo com o caos que a humanidade virou. Grupos se juntam para sobreviver e a lei do mais forte é o que prevalece agora. Passam por vários confrontos até cada um atingir seu objetivo.

A ideia do filme era bem promissora, procura analisar e mostrar o que o ser humano é capaz de fazer quando o caos está instaurado. A nosso necessidade de leis e sanção é algo inerente à nossa sociedade. 

O que se tentou foi bem próximo ao que Um Ensaio Sobre a Cegueira (Blindness) - 2008 fez: colocar em evidência o animal que há dentro de nós. Mas se perdeu ao tentar inserir mais ação do que o necessário. A cena do urso exemplifica bem isso. Totalmente desnecessária, e ainda utilizou efeitos digitais esdrúxulos para a tecnologia atual.

Além do já citado, existem filmes melhores do mesmo gênero como: O Nevoeiro (The Mist) - 2007, A Estrada (The Road) - 2009 e O Abrigo (Take Shelter) - 2011. Qualquer um desses, apesar de não serem perfeitos, são bem melhores que esse.

12 Anos de Escravidão (12 Years a Slave) - 2013

03/03/2014
Nota: 8.5 / 8.3 (IMDB)
Formato: HD

Direção: Steve McQueen

Roteiro: John Ridley

Elenco: Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup), Michael Fassbender (Edwin Epps), Lupita Nyong'o (Patsey), Sarah Paulson (Mary Epps), Benedict Cumberbatch (William Ford), Brad Pitt (Samuel Bass), Paul Dano (John Tibeats), Adepero Oduye (Eliza), Paul Giamatti (Theophilus Freeman), Garret Dillahunt (Armsby), Scoot McNairy (Brown), Taran Killam (Hamilton), Chris Chalk (Clemens Ray), Michael K. Williams (Robert), Kelsey Scott (Anne Northup), Alfre Woodard (Harriet Shaw), Quvenzhané Wallis (Margaret Northup), Devyn A. Tyler (Adulta Margaret Northup), Cameron Zeigler (Alonzo Northup), Rob Steinberg (Parker), Jay Huguley (Xerife Villiere), Christopher Berry (James Burch), Bryan Batt (Juiz Turner), Bill Camp (Radburn), Dwight Henry (Uncle Abram), Ruth Negga (Celeste)

Crítica:

Escravidão é a prova de que o ser humano, apesar de racional, é um animal como outro qualquer, chegando ao ponto da racionalidade ser utilizada irracionalmente. Existe e existiram algumas pessoas que exemplificam o quão o ser humano pode fazer crueldades com seus semelhantes. Podemos ver isso todos os dias nos noticiários, mas há alguns historicamente conhecidos no mundo inteiro, como Hitler, que comandou uma das maiores atrocidades que o mundo já viu.

A escravidão é uma situação que assombra a humanidade desde as épocas mais antigas. Praticamente em todos os continentes e diferentes povos. No início, escravos eram prisioneiros de guerra e os pobres. Na modernidade passou a ser racista com a escravidão dos negros, principalmente após o descobrimento do novo mundo pelos europeus. Nos séculos XIX e XX os negros foram torturados e forçados a trabalhar por toda a vida, que normalmente não passava de 50 anos.

Não podemos comparar e julgar o sofrimento de quem passou por esse tipo de atrocidade, mas fala-se muito dos judeus e se esquecem dos escravos, pois a segunda grande guerra teve um impacto em proporções mundial em tempo curto. Os judeus sofreram nas mãos de Hitler e de seu exército doutrinado com situações inconcebíveis ao longo de 6 anos. Não temos como saber qual é o nível de sofrimento de cada um dos milhares que morreram e dos que sobreviveram aos campos de concentração. Já os escravos sofreram por séculos, e não era apenas um homem a doutrinar um país para acreditar que era uma raça superior, eram várias nações que se achavam superior. Escravizar o negro era o correto, não existia outra forma de tratá-los. Os escravos sofriam abusos, torturas e todo tipo de humilhação durante toda a vida, dia após dia, geração após geração. Alguns preferiam morrer a ter de viver daquela forma.

E mesmo com o fim formal da escravidão, os negros ainda continuaram sofrendo, pois nenhum dos países escravagistas se preparou para dar suporte aos ex-escravos, simplesmente a partir de uma data, os escravos se tornaram livres, mas sem dinheiro, sem moradia, sem estrutura alguma, assim tiveram que se submeterem quase as mesmas condições de quando escravos. Até recentemente, nas décadas de 50 e 60, ainda havia a segregação racial, onde os negros só poderiam frequentar lugares reservados. O pior é que ainda hoje, século XXI, os negros não estão totalmente livres da discriminação. Exemplo disso está em partidas de futebol onde jogadores são chamados de macaco.

Essa introdução é para mostrar a importância história que o filme 12 Anos de Escravidão tem para as gerações futuras. O filme conta a história Solomon Northup, baseado em sua autobiografia. Northup era um negro livre, tinha família, emprego e vivia uma vida normal, dentro da realidade da época, mas em 1841 foi sequestrado e vendido como escravo. A partir daí, passamos a acompanhar a saga da escravidão pelos olhos de Solomon.

Todas as fases da escravidão são detalhadamente mostras, primeiro como acontecia a compra e venda dos escravos. A forma como eram tratados com se fossem coisa, mães são separadas dos filhos. Assim, Northup é vendido para um bom dono de plantações, William Ford, que o trata razoavelmente bem, por isso conseguia realizar seu trabalho com tranquilidade e inteligência, aos poucos foi conquistando seu dono, mas atritos com seu feitor, acabam em briga, e ele é vendido para um dos piores donos de escravo da região. Foi trabalhar na colheita de algodão. Edwin Epps, seu novo patrão, castigava todos os escravos que não atingissem um meta de quilos de algodão por dia.

Patsey era a escrava que mais conseguia colher algodões diariamente, por isso era a predileta de Epps, mas essa preferência era convertida em várias noites de estupros. Uma das cenas mais forte é a sequência de chibatadas que  Patsey leva por ter saído da propriedade para buscar sabonete.

Por fim, Northup consegue ajuda de um branco para avisar à sua família e mandar sua documentação de liberdade.

Em rápidas palavras resumi o filme que na verdade é bastante detalhado, talvez seja o mais próximo que podemos chegar e perceber o sofrimento dos escravos. A retratação da época e as atuações são impecáveis, Lupita Nyong'o, que faz Patsey, fez um trabalha perfeito. Em seus olhos, conseguimos ver o desespero, a vontade de sair dessa vida. Oscar merecido. O realismo das feridas provocadas pelas chibatadas são cenas fortes que fazem virar o rosto. Semelhante realismo pode ser visto em A Paixão de Cristo (The Passion of the Christ) - 2004.

Ao analisarmos o roteiro e outros aspectos, perceberemos que o filme é comum, que talvez não merecesse ganhar o Oscar de melhor filme, mas essa história deve ser sempre lembrada, todos devem assistir para perceber o quão bizarro é a escravidão e qualquer tipo de discriminação. Deve ser lembrado para nunca mais ser repetido.

Blue Jasmine - 2013

28/02/2014
Nota: 7.0 / 7.4 (IMDB)
Formato: HD

Direção: Woody Allen
Roteiro: Woody Allen
Elenco: Cate Blanchett (Jeanette "Jasmine" Francis), Alec Baldwin (Harold "Hal" Francis), Bobby Cannavale (Chili, o noivo de Ginger), Louis C.K. (Al, amante de Ginger), Andrew Dice Clay (Augie, ex-marido de Ginger), Sally Hawkins (Ginger, irmã de Jasmine), Peter Sarsgaard (Dwight Westlake, diplomata), Michael Stuhlbarg (Dr. Flicker6), Tammy Blanchard (Jane), Max Casella (Eddie), Alden Ehrenreich (Danny Francis, filho de Hal)

Crítica:

Engraçado em Woody Allen é o jeito que ele impõe em seus filmes. Mesmo com histórias distintas, roteiros diversificados, sabemos que se trata de um filme dele já nos primeiros minutos de projeção, tamanha são as características de sua filmografia: mulheres; cenas cômicas e trágicas; neuroses. Além da coloração sépia da fotografia.

Blue Jasmine procura mostrar as consequências, de forma isolada, da quebra dos bancos em 2008 devido às especulações financeiras relacionadas, principalmente, à área imobiliária. Mas esse é apenas o pano de fundo, o que mais se destaca é mostrar como o capitalismo afeta o ser humano. O dinheiro modifica a personalidade de pessoas despreparadas, perdem o senso comum e se transformam em pessoas fúteis, ficam sem noção dos valores humanos, se acham melhor do que os outros apenas por poder comprar bens materiais caros, participar de festas e frequentar lugares para  ricos.

A história do filme faca em Jasmine, interpretada de forma perfeita por Cate Blanchett. Jasmine é a típica madame, casada com um investidor milionário, que passa a frequentar tudo de melhor na cidade, compras, festas e viagens pelo mundo. Isso é mostrado aos poucos nos flashbacks, pois o início introduz uma mulher psicologicamente abalada após perder todo o seu patrimônio.

Sem dinheiro, vai à procura da irmã, que mora em San Francisco, para tentar reerguer sua vida. Logo ao se encontrarem percebemos que sua depressão a deixa completamente fora da realidade. Ao ser questionada pela irmã, porque viajou na primeira classe sem ter dinheiro, ela simplesmente diz que não conseguiu não comprar a passagem para primeira classe. Assim, percebemos claramente que Jasmine está totalmente fora de si, ainda vivendo seu sonho de princesa, e aparentemente, isso é normal para ela, não conseguindo ter consciência o suficiente para saber que estava errada, para ela aquilo é o correto.

Entre fleches do passado e o presente, vamos descobrindo porque Jasmine perdeu tudo, como ela trata as pessoas e se comportava enquanto rica. No presente todas as suas tentativas para ter uma vida normal são falhas. Não consegue trabalhar, pois todos os serviços não estão no seu patamar. Recrimina a irmã por ter relacionamentos com pessoas mais simples e sem dinheiro.

Quando Jasmine conhece um empresário, e tudo parece voltar ao normal, pois passa a frequentar novamente a alta sociedade e ter dinheiro para sustentar sua luxúria, sua vida desmorona novamente.

Por fim, percebemos que Jasmine é um caso perdido, pois seus valores e alienação a transformaram em uma pessoa inútil e tudo será um ciclo vicioso até sua vida chegar ao fim.

O filme tem uma crítica importantíssima, pois existem várias pessoas com essa característica ao nosso redor. Pessoas que podem ser descartadas, que vem e não acrescentam em nada para humanidade, sua contribuição é zero. Se esse tipo de pessoas não existissem, com certeza estaríamos mais evoluídos em todos os sentidos.

Gosto de filmes que trazem a realidade humana, pois nos faz refletir e tirar lições para nossas vidas. É a ficção nos mostrando a realidade.

Truque de Mestre (Now You See Me) - 2013

26/02/2014
Nota: 7.0 / 6.7 (IMDB)
Formato: HD

Direção: Louis Leterrier
Roteiro: Ed Solomon, Boaz Yakin, Edward Ricourt
Elenco: Jesse Eisenberg (J. Daniel Atlas), Mark Ruffalo (Dylan Hobbs), Woody Harrelson (Merritt McKinley), Isla Fisher (Henley Reeves), Dave Franco (Jack Wilder), Mélanie Laurent (Alma Dray), Morgan Freeman (Thaddeus Bradley), Michael Caine (Arthur Tressler), Michael Kelly (Agente Fuller), Common (Agent Evans), José Garcia (Étienne Forcier)

Crítica:

Mágica e ilusionismo é um tema bastante explorado no cinema, causa atração dos espectadores independente da história a ser contada. Recentemente tivemos dois bons filmes sobre o tema: O Grande Truque (The Prestige) - 2006 e O Ilusionista (The Illusionist) - 2006.

[SPOILERS...] Em Truque de Mestre a magia e ilusionismo são elevados em grandes proporções, tudo é grandioso, não existe mágica simples. O filme inicia nos apresentando aos mágicos que farão parte dos Quatro Cavaleiros. Cada um dos mágicos tem uma especialidade:  J. Daniel Atlas, interpretado por Jesse Eisenberg, é um ilusionista e líder do grupo; Merritt McKinley, interpretado por Woody Harrelson, é um mentalista, hipnotiza as pessoas instantaneamente; Henley Reeves é uma escapista, interpretada por Isla Fisher; e  Jack Wilder, outro ilusionista interpretado por Dave Franco.

Eles são reunidos a partir de cartas misteriosas, recebidas com um codinome e um endereço, fazendo com que eles se encontrem no mesmo local, assim surge os Quatro Cavaleiros. Com isso, somos lavados para a primeira apresentação espetaculosa do grupo, onde são observados por Thaddeus Bradley, interpretado por Morgan Freeman, que faz um ex-mágico especialista em revelar os segredos por trás de outros truques mágicos, semelhante ao famoso Mister M. Nessa apresentação os mágicos prometem roubar um banco qualquer do mundo, que é escolhido a partir da conta bancária de algum dos espectadores. Tudo é muito bem ensaiado e sincronizado, ao fim, todo o dinheiro do banco cai sobre a platéia.

O roubo chama a atenção do FBI, que coloca o agente Dylan Hobbs, interpretado por Mark Ruffalo, para investigar e perseguir os Quatro Cavaleiros.

A história segue com os mágicos realizando suas apresentações, e Hobbs tentando prever qual será o próximo passo deles, juntamente com a agente da Interpol Alma Dray, interpretado por Mélanie Laurent. As dificuldades de Hobbs está em identificar quem é o quinto elemento do grupo. Bradley propõe ajuda, revelando como possivelmente os truques são realizados, mas Hobbs se encontra em uma posição difícil, pois não pode confiar em ninguém. Passa desconfiar até de sua parceira Dray. No fim, o quinto elemento é revelado, na "surpreendente" reviravolta do filme. [FIM SPOILERS] 

O principal erro do filme é tentar ser grandioso demais em seus ilusionismos. Muitos dos truques não são plausíveis de acreditar e muito menos possíveis de serem realizados na vida real. Isso tira um pouco da credibilidade da história.

O roteiro também peca, não há desenvolvimento dos personagens, eles são mágicos, se juntam, fazem os shows e pronto. Não sabemos nada deles, porque são mágicos, o passado de cada um, e até porque resolveram se juntar, pois eles se encontram e forma o grupo, sem muitas explicações de porque aceitaram.

As atuações são boas, Jesse Eisenberg com sua fala rápida é perfeito para o personagem e as apresentações de ilusionismos. Woody Harrelson está bem, mas não precisa mostrar o seu melhor. Os outros dois tem um destaque menor com atuações normais. Morgan Freeman é subutilizado, um ator com seu talento te participação mínima, desperdício. Mark Ruffalo tem atuação pífia, talvez o roteiro o atrapalhou, mas o agente do FBI que parecer ser bobo e idiota, caindo em armadilhas previsíveis, que qualquer leigo saberia prever.

Por fim, Truque de Mestre é divertido e nada mais. Um segundo filme pode melhorar o primeiro, mas duvido que as pontas soltas do primeiro filme serão totalmente cobertas por um segundo, mesmo porque, assim, o segundo ficaria com uma história furada, se prendendo totalmente ao primeiro filme.

Killer Joe - Matador de Aluguel (Killer Joe) - 2011

19/02/2014

Nota: 7.5 / 6.7 (IMDB)

Formato: HD

Direção: William Friedkin

Roteiro: Tracy Letts

Elenco: Matthew McConaughey (Police Detective "Killer" Joe Cooper), Emile Hirsch (Chris Smith, son), Juno Temple (Dottie Smith, daughter), Gina Gershon (Sharla Smith, stepmother), Thomas Haden Church (Ansel Smith, father), Marc Macaulay (Digger Soames, gang boss), Julia Adams (Adele Rogers, natural mother), Sean O'Hara (Rex, boyfriend of Adele)

Crítica:
Recentemente fui apresentado a dois álbuns de um novo cantor blues: LetThem Talk (2011) e Didn't It Rain (2013). Escutando suas versões para vários clássicos do blues, percebi que havia influência de todas as partes. Pra começar, logicamente, há bastante jazz, em algumas, country. Seu tom de voz vai de Howllin' Wolf à Eric Clapton. Canções com som atual, sem perder o blues tradicional, com o piano dando um toque especial, fazendo-me lembrar de Pinetop Perkins. Até tango percebemos em mais de uma música. Isso mostra, mais uma vez, que Jimmy Page, John Paul Jones, Robert Plant e John Bonham estavam cobertos de razão, não é preciso inventar, basta buscar o que já existe, tirar o que é melhor, fazer uns ajustes e transformar em algo muito melhor, buscando a perfeição.

Apesar de apenas dois álbuns, esse cantor é muito famoso, mas não pela música, e sim, pela TV. Nunca imaginei que veria Dr. House (ao vivo) tocando piano e cantando blues. Isso aí, Hugh Laurie é quem estou descrevendo, o médico doidão da série americana House M.D., no Brasil conhecida por Dr. House. Vale a pena conferir.

Essa introdução poderia estar na crítica de algum outro filme, talvez a analogia que vou fazer não tenha nada a ver, mas como estou curtindo Hugh Laurie agora, achei melhor comentar logo. A analogia está nessa forma que Laurie utilizou para realizar seus dois álbuns, com várias influências, parecendo até que estudou a fundo alguns dos artistas que citei. Isso vai de encontro com a forma utilizada por William Friedkin para dirigir Killer Joe - Matador de Aluguel.

Friedkin é um experiente cineasta, dirigiu vários clássicos, dentre eles Operação França (The French Connection) - 1971 e O Exorcista (The Exorcist) - 1973, mas nesse filme, provavelmente algumas ideias saíram com base em estilos de direção de outros diretores, e até mesmo na forma de atuar de alguns atores, e a reviravolta do roteiro, podemos ver em outros filmes específicos. Nada de cópia, mas como disse acima, procurou melhorar o que tem de bom nos outros filmes, e em algumas cenas chegou bem próximo.

[SPOILERS...] Killer Joe - Matador de Aluguel narra a história dos Smith, uma família completamente desestruturada que reside em Dallas. Chris mora com a mãe, é um aspirante a traficante, e deve os mafiosos da região. Ameaçado, tem a brilhante ideia de contratar um assassino para matar sua mãe, pois descobriu que ela tem uma apólice de segura no valor de 50 mil dólares e deixou como beneficiária sua irmã Dottie, em caso de morte. Para isso, vai atrás de seu pai, Ansel. Um cara alienando que mora num trailer com a namorada Sharla e a filha Dottie.

Chris convence Ansel a contratar Joe Cooper, um policial matador de aluguel para dar um jeito em sua mãe. Mas as coisas começam a dar errado quando Chris percebe que não tem dinheiro suficiente para pagar Joe, tenta convencê-lo de receber depois, mas Joe recusa refazendo a proposta. Ele fará o serviço desde que a virgindade de sua irmã sirva como calção. Os dois topam.

Chris se arrepende tardiamente, ao procurar Joe, sua mãe já está morta na porta malas do carro. A partir desse momento começam as reviravoltas. Ao procurarem a seguradora, descobrem que Dottie não é a beneficiária, e sim Rex, o namorada da mãe.

Sem o dinheiro para pagar Joe, Chris resolve fugir levando sua irmã, mas chegando em casa encontra Joe e sua família preparando o jantar. E essas cenas, momentos antes, e depois que Chris entra no trailer, é que valem o filme. Tenso e paranóico! [FIM SPOILERS]

Se me falassem que essa cena final foi escrita por Quentin Tarantino eu não duvidaria. Esse desfecho final, com certeza, é parecidíssimo com uma cena em Cães de Aluguel (Reservoir Dogs) - 1992 e outra em Bastardos Inglórios (InglouriousBasterds) - 2009. Além disso, o filme inteiro é bem estruturado em seus diálogos, muito semelhante aos filmes de Tarantino.

O roteiro tem certa relação com a trilogia de Guy Ritchie: Jogos,Trapaças e Dois Canos Fumegantes (Lock, Stock and Two Smoking Barrels) - 1998, Snatch - Porcos e Diamantes (Snatch) - 2000 e Rock’n'Rolla - A Grande Roubada (Rock’n'Rolla) - 2008. Ritchie trabalha muito com a idiotice humana, coincidências absurdas e resultados inesperados. Tudo isso puxando sempre um lado cômico. Se olharmos superficialmente, poderemos ver todas essas características nesse Killer Joe - Matador de Aluguel, mas o lado cômico é bem mais sutil, observando mais o humor negro.

O elenco fechou o ciclo que faz filmes entrarem num patamar acima da expectativa: roteiro, direção e atuações excelentes. Todos tiveram atuações acima da média, mas o grande destaque vai para Matthew McConaughey que soube demonstrar a evolução do seu personagem. No início um assassino comum, frio, que faz tudo só pelo dinheiro, mas aos poucos mostra seu lado psicopata, dando a entender que sente prazer em matar, humilhar e desmoralizar as pessoas. Fez-me lembrar da atuação do Christian Bale em Psicopata Americano (AmericanPsycho) - 2000. Outra atuação bem semelhante foi a do Brad Pitt em Kalifornia - Uma Viagem ao Inferno (Kalifornia) - 1993. Matthew McConaughey está entrando na galeria dos grandes atores, seus próximos filmes poderão confirmar isso.

Killer Joe conseguiu buscar o que há de melhor em filmes do gênero, pra quem gosta, vale a pena ver.

O Mestre (The Master) - 2012

16/02/2014
Nota: 7.0 / 7.1 (IMDB)
Formato: HD

Diretor: Paul Thomas Anderson
Roteiro: Paul Thomas Anderson
Elenco: Joaquin Phoenix (Freddie Quell), Philip Seymour Hoffman (Lancaster Dodd), Amy Adams (Peggy Dodd), Ambyr Childers (Elizabeth Dodd, filha de Lancaster), Jesse Plemons (Val Dodd, filho de Lancaster), Rami Malek (Clark, genro de Lancaster Dodd), Laura Dern (Helen Sullivan), Madisen Beaty (Doris Solstad), Lena Endre (Sra. Solstad), Kevin J. O'Connor (Bill William), Amy Ferguson (Martha a Vendedora), Joshua Close (Wayne Gregory), Patty McCormack (Mildred Drummond), Fiona Dourif (Dançarina), David Warshofsky (Policial da Filadélfia), Steven Wiig (Seguidor na Filadélfia), W. Earl Brown (Empresário)


Crítica:

O Mestre é um drama que busca criticar uma parte da sociedade que se refugia em religiões, seitas ou grupos em busca de explicações para os grandes mistérios da humanidade: de onde viemos, pra onde vamos; os porquês da nossa existência. Exatamente onde a ciência para e não consegue nos dar mais respostas, entram as igrejas se apegam e muitas vezes abusam da fragilidade da mente humana. Essa fragilidade, nesse caso, é criticada pela falta de assistência dada aos ex-combatentes de guerra, tanto nas duas grandes guerras, e ainda hoje, pois voltam extremamente debilitados psicologicamente, e muitas vezes tornam-se fardo e ficam à mercê da sociedade.

[SPOILERS...] O filme narra a história de Freddie Quellm, um veterano da II Guerra Mundial, alcoólatra, que está perdido numa sociedade pós-guerra, sem amparo algum. Passa por vários empregos, como fotógrafo ou fazendo serviços de colheita de repolho, mas seus problemas com o álcool sempre o atrapalham. Até que em dos momentos de embriagues, ele se vê abordo de um iate, onde conhece Lancaster Dodd. Dodd é o mestre de uma seita religiosa conhecida como "A Causa", que busca solucionar problemas físicos ou psicológicos das pessoas através de hipnose, fazendo-as revisitarem suas vidas passadas.

Agora Freddie é parte integrante da seita, e passa ter a confiança de Dodd, tornando-se uma cobaia para Dodd, que o faz passar por todo o processo de "cura". Além da hipnose, são feitas perguntas direcionadas sobre sua vida, de momentos psicologicamente estressantes para Freddie. Também são feitos exercícios rotineiros, semelhantes às torturas psicológicas. Mas Freddie, sem acreditar, e um pouco cético, não vê evolução, e seu comportamento não melhora em nada. Continua bebendo e extremamente nervoso nas situações de estresse. Isso faz com que os principais integrantes da família de Dodd comecem a duvidar da cura de Freddie, todos com receito do seu comportamento. Mas Dodd diz que se ele não está curado, a falha é deles, e é mais um motivo para continuarem tentando.

Freddie acaba se afastando para procurar uma antiga namorada, principal motivo de seus problemas psicológicos, mas Dodd o encontra novamente, chamando-o para voltar para A Causa, que agora se encontra na Inglaterra, à procura de novos fieis. Freddie resolve encontrá-los, mas logo no primeiro contato, é confrontado sobre suas razões para voltar, exigindo-lhe que deveria partir de si mesmo a vontade de ser tratado novamente, e acreditar fielmente no processo. A cena seguinte mostra Freddie transando, e brincando com sua parceira com os métodos utilizados em seu processo, não deixando de forma clara a sua escolha. [FIM SPOILERS]

O filme foi indicado ao Oscar de Melhor Ator por Phoenix, Melhor Ator Coadjuvante por Hoffman  e de Melhor Atriz Coadjuvante por Adams. As três indicações foram merecidas, mas Joaquin Phoenix fez um trabalho de extremo realismo. Fisicamente muito magro, aparência acabado pelo álcool, sua interpretação de um cara psicologicamente perturbado, por sua experiência na guerra é de uma perfeição inacreditável. A época também foi muito bem retratada, tanto pelos figurinos, quanto pelas locações.

O roteiro que é um pouco difícil em certos momentos, ele não explicita ao espectador quanyo tempo se passou, ou como as decisões dos personagens afetam todos, apenas toma aquilo com verdade e segue a história. No fim percebemos que o foco do roteiro não é o personagem principal, pois não há uma final para ele, na verdade, os dramas das situções que se passam são o personagem principal.

Lendo algumas curiosidades sobre o filme, descobri que parte dos argumentos utilizados para A Causa foram baseados na Cientologia, criada por L. Ron Hubbard na década de 50, que juntava um conjunto de crenças e práticas para formar um sistema de auto-ajuda. Por curiosidade, é a religião que Tom Cruise segue. De qualquer maneira, a crítica vale para todas as igrejas, que se utilizam da fraqueza psicológica das pessoas para realizarem uma lavagem cerebral de forma que passem a acreditar naquilo com verdade absoluta, sem dar chances para questionamentos. Fazendo as pessoas acreditarem em coisas consideradas absurdas para o senso comum. Dessa forma, na maioria das vezes, aproveitam para exigir de seus fiéis, quase que obrigatoriamente, a contribuição de bastante dinheiro.

Toda igreja tem uma função social importantíssima, pois elas acabam por orientar as pessoas para o bem, mas para isso, cobram caro, e metem descaradamente. Muitas tiram dinheiro de quem não tem, deixa de comer para comprar seu pedacinho no céu.

A outra crítica é o despreparo de países como os EUA, que até hoje mandam seus jovens para guerras, mas quando voltam, não tem uma política satisfatória para sua reintegração à sociedade, e muitos acabam com doenças depressivas pelo resto da vida.

É claramente um filme crítico, gostaria de ver uma opinião de Tom Cruise sobre ele. Todos os evangélicos e religiosos deveriam assisti-lo.

42 - A História de uma Lenda (42) - 2013

28/01/2014

Nota: 8.0 / 7.6 (IMDB)

Formato: HD

Direção: Brian Helgeland

Roteiro: Brian Helgeland

Elenco: Chadwick Boseman (Jackie Robinson), Harrison Ford (Branch Rickey), Christopher Meloni (Leo Durocher), John C. McGinley (Red Barber), Lucas Black (Pee Wee Reese), Alan Tudyk (Ben Chapman), Andre Holland (Wendell Smith), Nicole Beharie (Rachel Robinson), CJ Nitkowski (Dutch Leonard), Brett Cullen (Clay Hopper), Ryan Merriman (Dixie Walker), TR Knight (Harold Parrott), Hamish Linklater (Ralph Branca), Brad Beyer (Kirby Higbe), Jesse Luken (Eddie Stanky), Max Gail (Burt Shotton), Peter MacKenzie (Happy Chandler), Linc Hand (Fritz Ostermueller)

Crítica:

42 é o filme biográfico do primeiro jogador afro americano a fazer parte de um time profissional da liga estadunidense de beisebol (MLB - Major League Baseball). Jackie Robinson é considerado um dos maiores jogadores de beisebol, e um ícone do esporte norte-americano. Destacou-se nas temporadas de 1947 a 1956 jogando pelo Brooklyn Dodgers.

[SPOILERS] O filme começa nos contextualizando da época em que os eventos aconteceram. Estamos no ano de 1945, soldados voltam para casa após o fim da segunda grande guerra, e é a partir desse momento que o beisebol volta a ter maior importância. A segregação racial nos EUA ainda estava no auge, os negros tinham que sentar-se no fundo dos ônibus, os hotéis eram separados pela cor da pele, todos os lugares tinha ambientes separados para os negros, restaurantes, praças e banheiros.

A MLB tinha aproximadamente 400 jogadores, logicamente, todos brancos. O então diretor do Brooklyn Dodgers, Branch Rickey, tinha grande experiência no beisebol, com vários títulos em seu currículo. Rickey precisa montar um grande time para as próximas temporadas, e sabia que nas Negro Leagues (Ligas de beisebol onde jogavam apenas negros) existiam grandes talentos, jogadores negros bons ou melhores que os brancos. Além disso, colocando negros em seu time, aumentaria a audiência dos jogos e consequentemente a arrecadação.

Rickey precisava achar o jogador ideal, com personalidade forte o bastante para aguentar as humilhações que sofreria dos adversários, torcedores, e até, dos seus companheiros de equipe. É aí que entra Jackie Robinson. Robinson tinha todas essas características, precisava apenas de ajuda para controlar possíveis reações agressivas.

Rickey colocou Robinson no time de base de Montreal, Canadá. Era um primeiro teste para todos, ver o comportamento dos brancos e de Robinson. Robinson era muito talentoso, logo se destacou como excelente jogador, além de mostrar que poderia conseguir suportar todos os preconceitos. Assim, na temporada seguinte, Robinson é incorporado ao time principal, assinando um contrato para ganhar 600 dólares por mês, pelo Brooklyn Dodgers.

Sua estréia foi no dia 15 de Abril de 1947 com a camisa de número 42. Nesse dia se tornou o primeiro jogador negro a atuar num time da MLB (Major League Baseball). Um marco para história do esporte mundial.

Mas para que esse dia fosse lembrado como hoje é, Jackie precisou passar pelas mais humilhantes situações. Em todos os jogos, torcedores, adversários ou não, gritavam humilhações todas as vezes que entrava em campo. Robinson respondia com grandes atuações, e em vários jogos, era o principal responsável pela vitória dos Dodgers. A pior situação foi em um jogo contra o Philadelphia Phillies, em que o treinador adversário,  Ben Chapman, xingava Robinson explicitamente, humilhando-o e tirando sua concentração. Ainda assim, Robinson conteve-se, sem nenhuma atitude agressiva. Posteriormente, Ben Chapman foi obrigado a tirar uma foto ao lado de Robinson, como pedido de desculpas. Depois desse episódio, Chapman nunca mais conseguiu destaque no mundo do beisebol.

A história do filme foca na temporada de 1947, e termina com Robinson mostrando a todos que ele estava muito acima dos preconceitos, que era um grande homem, e excelente jogador de beisebol. [FIM SPOILERS]

Robinson defendeu o Brooklyn Dodgers por 10 temporadas e foi campeão da World Series em 1955. Ainda enquanto jogava, outros jogadores negros entraram para a liga.

Robinson recebeu várias homenagens. Em 1962 entrou para no Hall da Fama do Beisebol. Em 1997 a MLB aposentou o número 42 de todas as equipes da liga. Em 2004 foi instituído o "Jackie Robinson Day", que acontece em 15 de abril, onde todos os jogadores de todas equipes, jogam com o número 42. Essa homenagem vai de encontra aos dizeres de um de seus colegas: "Quem sabe amanhã todos usemos o 42, para que ninguém mais consiga nos diferenciar".

Essas homenagens são de extrema importância para marcar as pessoas que sofreram e lutaram contra o racismo. Jackie Robinson deu sua contribuição para acabar com a segregação contra os negros, e é por ele e por vários outras, que um negro conseguiu chegar à presidência dos EUA.

Tecnicamente o filme deixa a desejar, tanto nos diálogos, quanto na direção. As atuações, em vários momentos, pareceu-me teatral, com textos bem decorados, sem improvisações, utilizando frases de efeito, totalmente clichê. Brian Helgeland poderia ter conduzido os atores com mais liberdade, numa biografia isso ajuda a dar mais naturalidade aos personagens. Fora isso, Chadwick Boseman fez uma boa interpretação de Jackie Robinson. Conseguimos perceber, claramente, o sofrimento que era ser um negro naquela época. Incrível foi a transformação de Harrison Ford, que está irreconhecível como Branch Rickey. Maquiagem perfeita. Percebi que era ele pela voz e pelo jeito de mexer com os braços, apesar dos diálogos clichês, sua atuação foi excelente. A retratação que Alan Tudyk deu para Ben Chapman foi importante, principalmente nas cenas do jogo contra o Phillies. Faz-nos ter ódio dele.

A história procurou, descaradamente, vangloriar Jackie Robinson, sem mostrar seus defeitos e apenas um pouco de suas fraquezas. Por isso, os clichês ficam mais evidenciados. Provavelmente foi proposital, pois, como disse, essas pessoas devem ser lembradas pelos seus grandes feitos, para que discriminações e preconceitos nunca mais aconteça na humanidade.

A retratação da época, figurino, locações, deu credibilidade ao realismo da história. O visual em sépia valoriza a imagem que temos dos anos 40.

Considero um excelente filme, até para rever, pois é uma história verídica de uma época que normalmente não temos a noção do que foi sofrimento dos negros. É importante ver o que o ser humano é capaz de fazer com um semelhante, para nunca mais repetirmos esse erro, pois quem erra duas vezes é burro.

E essa é a principal mensagem que podemos tirar do filme, pois podemos estar vivenciando esse erro atualmente, de forma menos exagerada, mas com os mesmos preconceitos. Hoje os gays são discriminados, em determinados locais e regiões, explicitamente, em outras, com silêncio.

Temos (tenho) que abrir nossas cabeças e entender que esse tipo de situação não cabe mais nos tempos em que vivemos. Somos todos iguais.

Referência: http://pt.wikipedia.org/wiki/Jackie_Robinson

Questão de Tempo (About Time) - 2013

13/01/2014
Nota: 9.0 / 7.9 (IMDB)
Formato: HD

Direção: Richard Curtis
Roteiro: Richard Curtis
Elenco: Domhnall Gleeson (Tim Lake), Rachel McAdams (Mary), Bill Nighy (James Lake, Tim's father), Lydia Wilson (Kit Kat, Tim's sister), Lindsay Duncan (Mary Lake, Tim's mother), Tom Hollander (Harry), Vanessa Kirby (Joanna), Margot Robbie (Charlotte), Tom Hughes (Jimmy), Catherine Steadman (Tina), Matt Butcher (Courtroom Observer), Lisa Eichhorn (Mary's Mum), Richard Cordery (Uncle Desmond), Will Merrick (Jay), Joshua McGuire (Rory), Jon Boden and Sam Sweeney (Buskers), Richard Griffiths (Sir Tom), Richard E. Grant (Actor), Matthew C Martino (Commuter)

Crítica:

Depois de Simplesmente Amor (Love Actually) - 2003, Richard Curtis ganhou créditos infinitos comigo. Sua carreira começou com várias comédias-românticas bem acima do padrão estadunidense, mas ainda assim, com roteiros tradicionais para o gênero: homem ou mulher que vive uma vida ruim, quando acha o seu amor perfeito, vem os conflitos e brigas por vários motivos, logo depois, o arrependimento e o reatar, para no final, viverem felizes para sempre. Normalmente as comédias inglesas são infinitamente melhores que as hollywoodianas, mas eles precisam vender seus filmes, e muitas vezes caem na mesmice. Em Simplesmente Amor, Curtis, conseguiu sair desse padrão e criou um dos melhores filmes romance que assisti. Seis anos depois, mudando um pouco de gênero, fez o excelente Piratas do Rock (The Boat That Rocked) - 2009, ganhou mais uns bons créditos, e agora, esse sensacional Questão de Tempo. Importante dizer que seus melhores filmes, são, justamente, os que dirigiu. Coincidência ou não, é um diferencial. Hoje assisto qualquer filme que ele dirigir.

Além de Richard Curtis, o roteiro tem algo que chamou minha atenção: viagem no tempo. Qualquer filme que trabalhe bem o tema atrai meu olhar. Numa primeira impressão fez-me lembrar do Te Amarei Para Sempre (The Time Traveler's Wife) - 2009, que trata dos mesmos temas e gênero, mais dramático e menos romântico, mas igualmente excelente. E coincidentemente, com Rachel McAdams como protagonista feminina do casal.

[SPOILERS...] Questão de Tempo começa nos apresentando Tim, um jovem inglês, que em sua casa, participa da tradicional festa familiar de virada de ano junto com seus pais, sua irmã Kit Kat e o seu tio D, que parece sofrer de algum tipo de esquizofrenia. É então que o pai de Tim, James Lake, resolve lhe contar o segredo da família. Com simplicidade, ele informa-o que os homens da família têm a capacidade de viajar no tempo, mas com restrições, a viagem acontece apenas para o passado. Após duvidar e experimentar, Tim passa tentar resolver seus pequenos problemas pessoais, o principal deles: arrumar uma namorada.

Interessante como o roteiro faz distinção entre felicidade e ganância logo de início. Tim escuta o histórico familiar de seu pai, dizendo que vários tentaram ficar ricos, outros trapacearam e viveram na luxúria, mas nenhum deles foi feliz de verdade. O principal conselho era buscar de seus sonhos, e ser feliz ao conquistá-los.

Assim, Tim parte para Londres. Vai estudar na faculdade de direito e morar com Harry, um produtor de teatro amigo do seu pai. Lá conhece Mary, numa das melhores cenas do filme. Ele e um amigo vão a um bar de encontros anônimos, ou algo do gênero. O bar recebe as pessoas num lugar escuro, sem visibilidade nenhuma, um atendente os encaminha para uma mesa onde estão duas mulheres, ali a conversa se desenrola. O mais interessante é que a tela para os espectadores também fica preta, e acompanhamos os diálogos super concentrados. O sentimento romântico é explorado ao máximo, somente ao sair os dois se conhecem visualmente. Tim apaixona instantaneamente por Mary.

Chegando a casa encontra Harry arrasado, a estréia de sua peça foi um fracasso, pois o ator principal esqueceu as falas. Nesse momento é que Tim passa a entender melhor os riscos que é viajar e alterar o passado. Para ajudar Harry, ele volta momentos antes da peça começar e sugere ao ator revisar suas falas, tudo funciona bem e a peça é um sucesso, mas como a peça e seu encontro com Mary aconteceram no mesmo momento, Mary não o conhece mais.

Agora Tim precisará encontrar Mary e conquistá-la novamente. As sequências até conquistá-la novamente é algo excepcional, romântico, cômico e verdadeiro. Muito bem desenvolvido. Algo diferente do que costumamos ver no cinema. E são essas cenas que os protagonistas mostram como atuações perfeitas fazem o filme ser diferenciado.  Domhnall Gleeson, que interpreta Tim, começa o filme razoável, parecendo ser uma interpretação adolescente demais para o personagem. Mas vemos que não, a insistência de Tim, com criatividade, para conquistar Mary, revela um grande ator. Percebemos em seus olhos e suas expressões, o quão está apaixonado. Rachel McAdams, só confirma a grande a atriz que é. O seu pouco caso com um cara qualquer que tenta conquistá-la, até o momento em que se entrega à conquista, apenas por algumas palavras sobre Kate Moss, é de uma veracidade apaixonante. Atuação impecável.

Com os dois juntos, acompanhamos mais uma cena sensacional que acontece dentro da estão do metrô. Para demonstrar o amadurecimento dos dois como casal, vemos a rotina diária deles, pegando o metrô para trabalhar, indo para festas, com mudanças de roupas para nos contextualizar da estação do ano. Tudo isso acompanhado pela música How Long Will I Love You, da banda escocesa, The Waterboys, executada por: Jon Boden, Sam Sweeney e Ben Coleman, como se fossem de uma banda que toca nas estações de metrô.

No casamento, entre idas e vindas ao passado, Tim e seu Pai proporcionam uma emocionante sequências, na escolha de quem fará o discurso e seu pai procurando o discurso perfeito para o momento.

Agora acompanhamos a vida do casal, que é bem semelhante a de qualquer outro. Passando pelos mesmos problemas e dificuldades. Até que os filhos vem, e começamos a perceber que Tim está conseguindo ser feliz, sem precisar utilizar seus "poderes" para fins gananciosos. E a principal mensagem do filme começa a ser passada. A parte mais dramática acontece quando ele descobre mais uma regra da viagem no tempo. Sua irmã problemática acaba sofrendo um acidente de carro quase fatal, assim, Tim volta ao passado para mudar os fatos que culminaram no acidente. Quando volta e entra em casa, sua filha não existe mais, se transformou num filho. Imediatamente vai questionar seu pai, que lhe explica as regras: o nascimento de filhos é um marco na viagem no tempo, pois todas as vezes que voltar para antes do seu nascimento, um filho diferente vai ter. Assim, Tim desiste de evitar o acidente da irmã, passa a apoiá-la na recuperação, física e psicológica.

Interessante que as regras para viagem no tempo são simples e diretas, sem precisar de maiores explicações. O porquê não é necessário, é assim porque é.

Partimos para o terceiro ato. Lake pai está bastante doente e confidencia a Tim uma última dica, um jeito de viver seus dias com mais prazer e tranquilidade, basta vivê-lo duas vezes. Uma vez naturalmente, e outra, voltando no início do dia, sem alterar nada, vivenciar os acontecimentos já sabendo o que irá acontecer, apenas sentindo o quão prazeroso é a vida, mesmo em momentos tristes. Seu pai vem a falecer, mas Tim não sente tanto, pois ainda tem suas viagens para matar saudades. Mary acaba engravidando pela terceira vez, isso implica que Tim não poderá mais ver seu pai. E após nove meses faz uma última viagem para despedir-se.

Ao fim, a crítica do filme à nossa sociedade, vem nas palavras de Tim, ao perceber que não era preciso mais viver os dias duas vezes, bastava sempre vivê-lo com se fosse a segunda vez. E essa é a principal mensagem do filme: "Carpe diem". [FIM SPOILERS]

Bill Nighy, que faz o pai de Tim, tem uma participação discreta, mas todas as vezes que aparece mostra sua força como ator. Desenvolve um pai com perfil exemplar, aquele pai que todos desejam, participativo, amigo e presente em todos os momentos.

Destaque também para trilha sonora, que faz cada cena ser mais impactante, e sem dúvida vale escutá-la.

Curtis acertou mais uma vez, faz um tema complicado, ser simples, uma história emocionante do início ao fim. É um filme que agradará a todos, pois são lições que gostaríamos de trazer para nossas vidas. Assistirei novamente com certeza.